¿No es propio de la noche confundirte cuando tratas de evitarlo?
Estamos equivocados, aunque nos esforcemos por negarlo.
Y Louise sostiene un puñado de lluvia, tentándote para desafiarlo.
Las luces parpadean en el loft de enfrente
En esta habitación la calefacción tose
La emisora de country suena suave
Pero no hay nada de nada que apagar
Sólo Louise y su amante entrelazados
Y estas visiones de Johanna que me asedian.
En el solar donde las damas juegan a la gallina ciega con el llavero
Y las noctámbulas murmuran escapadas en el tren “D”
Podemos oír al sereno encender su linterna,
Preguntarse si es él o son ellas quien está loco
Louise está bien, tan sólo cerca
Es delicada y se parece al espejo
Pero deja perfectamente claro
Que Johanna no está aquí
El fantasma de la electricidad aúlla en sus huesos faciales
Donde estas visiones de Johanna ya ocupan mi lugar
El niñito extraviado se toma tan en serio
Se jacta de su desgracia, le gusta vivir al límite
Y cuando menciona el nombre de ella
Menciona un beso de adiós
Tiene arrestos ser tan inútil
Soltar nimiedades cuando estoy en el salón
¿Cómo lo explico?
Oh, es tan difícil seguir
Y estas visiones de Johanna, me desvelaron hasta el alba
Dentro de los museos, el Infinito va a juicio
Las voces repiten que a la postre así debería salvarse
Pero Mona Lisa debe haber sentido nostalgia de autopista
Se ve por el modo en que sonríe
Mira cómo se congela ese alhelí ancestral
Cuando las mujeres de rostro gelatinoso estornudan
Escucha a la bigotuda, “Jesús,
no puedo encontrar mis rodillas”
Oh, joyas y anteojos cuelgan de la cabeza de la mula
Pero estas visiones de Johanna, hacen que todo parezca tan cruel
El vendedor ambulante le habla a la condesa que finge preocuparse
Diciendo, “Nombra a alguien que no sea un parásito y saldré y rezaré por él”
Pero como Louise suele decir
“No puedes abarcar mucho, ¿verdad, tío?”
Y ella misma se prepara para él
Y Madonna sigue sin aparecer
Vemos que la jaula vacía se oxida
Donde su capa teatral ondeaba
El violinista se pone en camino
Escribe que se devolvió lo debido
En la parte trasera del camión de pescado que carga
Mientras mi conciencia estalla
Las armónicas tocan las llaves maestras y la lluvia
Y estas visiones de Johanna son lo único que queda.
Bob Dylan (Minnesota, 24 de mayo de 1941)
Premio Nobel de Literatura 2016.
Se ha escrito mucho sobre esta canción y su posible significado. Se ha relacionado incluso con un concepto bíblico del infierno, con la noción de infinito y hasta que se refiere directamente a Dios. Para saber más de ella, recomiendo leer el artículo “Visiones de Johanna, anatomía de una canción de Bob Dylan”, que el escritor vallisoletano Vicente Álvarez de la Viuda, escribió para El Norte de Castilla en mayo de este mismo año.
Y en todo caso, muchas felicidades a Bob Dylan, al margen de las polémicas que ha causado la concesión del Premio Nobel. Creo que se le ha calificado muchas veces como el gran poeta del siglo XX y esta es una buena forma de ratificarlo.
La letra traducida al castellano es de esta página. Salvo la primera imagen, todas las demás son obras del propio Bob Dylan.
Por más que me encuentre un tesoro en las Fuentes del Nilo
quiero bailar un “slow” with you tonight, tonight.
Y aunque seas la Monna Lisa o la Venus de Milo,
quiero bailar un “Slow” with you tonight, tonight.
Por más que yo sea una Bestia y tu seas tan Bella
quiero bailar un “slow” with you tonight”,
Ya puede caernos encima un diluvio de estrellas
quiero bailar un “slow” with you como aquel
Times goes by, so slowly.
I hunger for your… sha la la la la
slowly, slowly…
Por más que nos pille el estúpido de tu marido,
Quiero bailar un “slow” with you tonight.
Y aunque enamorarme de ti me lo tengas prohibido
quiero bailar un “Slow” with you tonight, my love.
Por más que no pueda comprarte un collar de diamantes
quiero bailar un “Slow” with you tonight.
Y aunque nunca llegue a ser Harrison Ford como
amante
quiero bailar un “slow” with you como aquel…
At the end of’the rainbow
You’ll find a pot of gold… Sha la la la la
Slowly, Slowly
Por más que aparezca la grúa y se lleve mi coche
quiero bailar un “slow” with you tonight.
Por mí que reviente el planeta en confetti esta noche
quiero bailar un “slow” with you tonight.
Y como parece que el corto verano se acaba
quiero bailar un “slow” with you tonight, tonight.
Seamos, al fin, Salomón y la Reina de Saba
I want to dance a “Slow” with you como aquel
Dream
Dream, dream, dream Sha la la la la
I love you when you do it
So slowly, so slowly
Oh baby, baby, be mine tonight…
I love you when you do it
so slowly, so slowly
Oh baby, baby, please hold me tight…
so slowly…
Luis Eduardo Aute.
(para escuchar la canción, pinchar en la imagen inferior)
Por ti, Aute. Porque sin ti no hubiésemos conocido el slowly, ni el cine…cine…cine, más cine por favor… ni las canciones al alba, al alba… Porque tienes que seguir enseñándonos tantas cosas. Porque te echamos de menos… Porque queremos que te recuperes.
Hay una película titulada “Torch Song” (1953, Charles Walters), protagonizada por Joan Crawford y Michael Wilding, en la que una artista en decadencia, despótica y caprichosa, termina por enamorarse de su pianista ciego, que es el único que no le tolera sus desmanes, tras descubrir que antes de su ceguera causada en la Segunda Guerra Mundial, él estuvo enamorado de ella. Pero ya es tarde.
“Torch Song” es un musical en el que Joan Crawford baila y canta (aunque la voz que se escucha es la de India Adams), y cuyo número principal causó no poco asombro en su momento. Se trata de un número en el que Joan Crawford, en su papel de la caprichosa Jenny Stewart, actúa con la cara pintada de negro. La canción que interpreta está considerada una de las mejores Torch Song del cine.
¿Y eso que es?
Pues a partir de esta película y pregunta, me he puesto a buscar y algo puedo contar. Las Torch Songs son canciones de amor. Pero no cualquier canción de amor, sino una en la que se habla de un amor, generalmente, no correspondido, o un amor perdido, o un amor que causa una conmoción en la existencia de una de las partes. Al parecer esta denominación se debe a que la melodía pretende ser “una antorcha” que ilumine ese amor no correspondido, o permita seguir manteniendo viva la llama de un amor perdido. Pero la mayor particularidad de las Torch Song es que su poder reside en el efecto que causa sobre el oyente:
“Una Torch Song no está limitada por la música. Se trata más de una sensibilidad provocada por una combinación de factores como la cantante, su voz, la melodía, la historia, su rendimiento y la letra, que toca al oyente de una manera especial. Es un estado de ánimo. Un sonido particular”. Piers Ford(Blog The Art of the Torch Singer)
Se considera que la popular canción “My Melancholy Baby” es la primera Torch Song de la historia. Esta canción, escrita en 1911, fue popularizada por el cantante Tommy Lyman en los cabaret de los años veinte, donde la presentaba como su “Torch Song”. Editada por primera vez en Memphis (Nueva York) por Theron C. Bennett, con letra de Geo A. Norton, la música se atribuye al pianista Ernie Burnett, protagonista de una triste historia a su vez. El cantante William Frawley (1887-1966), que fue el primero en cantar la canción en público en 1912 en el Mozart Café de Denver (Colorado), contó en una ocasión que el pianista Ernie Burnett resultó herido en la Primera Guerra Mundial y perdió la memoria. Mientras se recuperaba en el hospital, un pianista que entretenía a los heridos tocando melodías populares, incluyó en su repertorio “My Melancholy Baby” y Burnett la reconoció como una de sus canciones. Gracias a ella recuperó la memoria.
La canción tuvo mucho éxito durante los años veinte, llegando a estar en el nº 3 de las listas de éxitos de 1928. Pero el mayor logro de esta canción es que se adelantó a su tiempo, creando un estilo melodioso y armónico, una especie de mezcla entre el jazz, por la forma de interpretar la canción, y la estructura melódica del blues. Así, Ella Fitgerald llegó a ser una de las mejores intérpretes de “My Melancholy Baby”. También Frank Sinatra, tiene una de las más escuchadas versiones.
Y es que esta fórmula triste de interpretar ciertas canciones de amor terminó por denominar un estilo propio, más vinculado a las mujeres que a los hombres y que, gracias sobre todo al cine, ha permanecido hasta hoy, las Torch Song.
Hollywood fue el crisol donde las Torch Song fraguaron su leyenda. Para empezar “My Melancholy Baby” ha aparecido muchas veces en el cine, como por ejemplo en “Los violentos años veinte” (1939, Raoul Walsh) interpretada por Priscilla Lane, o en “El Nacimiento del Blues” (1941, Victor Schertzinger), donde es Bing Crosby quien la canta, siendo considerada una de las mejores versiones. Judy Garland, fue otra de las intérpretes de la canción, esta vez en la película “Ha nacido una estrella” (1954, George Cukor), y aunque no se canta la canción, sí que se menciona en “Con Faldas y a lo loco” cuando Marilyn-Sugar Kane, dice que con solo unos compases de “My Melancholy Baby” ya se enamora del saxofonista.
Otra canción famosa, “Can’t Help Lovin’ that Man”, del famoso teatro musical de Jerome Kern“Show Boat” de 1927, también fue todo un fenómeno Torch Song. El musical alcanzó más de 500 representaciones en el Teatro Ziegfield en 1927, otras tantas durante las reposiciones a lo largo de los años, y 972 en la de 1994, batiendo récords.
En el teatro, la actriz y cantante Helen Morgan (1900-1941) interpretó a Julie LaVerne cantando las canciones más emblemáticas del musical con un estilo tan personal que fue enseguida encumbrada como la más genuina cantante “Torch”.
Helen se había curtido en los más famosos clubs de Chicago en los años veinte y la trágica trayectoria de su vida influyó en la cadencia de sus interpretaciones (solía sentarse encima del piano) y en el tono de su desgarradora voz (provocada por su alcoholismo).
Helen, arrastrada por varias ciudades a causa de dos divorcios de su madre, empezó muy jovencita a subirse a los escenarios y a actuar esporádicamente en la incipiente industria del cine. Con veinte años ya había tomado clases de canto y empezó a modular su peculiar estilo de voz. Pese a vivir la época de la Ley Seca en los Estados Unidos, los clubes donde cantaba Helen solían ser lugares clandestinos para consumir alcohol. Incluso llegó a adquirir uno de esos Clubes, “Chez Morgan”, por lo que acabó encarcelada, arruinada y afectada por un acuciante caso de alcoholismo que terminó por causarle la muerte por cirrosis con tan solo 41 años.
Durante su carrera llegó a actuar como estrella del burlesque de Rouben Mamoulian en 1929, o en el coro de las Ziegfeld Follies en 1931. Con Hammerstein y Kern, además de “Show Boat”, intervino en otro éxito de Broadway, “Sweet Adeline” (1929). Sin embargo su mayor éxito fue como la Julie LaVerne de “Show Boat”, papel que interpretó no solo en el musical de 1929, sino también en el cine.
“Show Boat”, fue llevado al cine en 1929 (dirigida por Harry Pollard), y la canción emblemática, “Can’t Help Lovin’ that Man”, está considerada el primer ejemplo de la Torch Song cinematográfica. Helen Morgan no intervino directamente en la película, pero sí en una grabación posterior con algunos de los números más emblemáticos. Si que intervino en la versión de 1936, dirigida por James Whale, con Irene Dunne como Magnolia y ella como Julie LaVerne. Aún hubo otra versión cinematográfica, esta vez sin Helen, dirigida por George Sidney en 1951, con Kathryn Grayson (Magnolia) y Ava Gardner (Julie LaVerne).
“Show Boat” está considerado el “padre del musical estadounidense” y sus canciones son de las más célebres del patrimonio cultural de ese país. Billie Holiday grabó “Can’t Help Lovin’ that Man”, en una de las más famosas versiones de la canción, en 1937, y también Barbara Streisand la grabó en 1951.
Antes de volver a la película de Joan Crawford, de la que hablaba al principio, hay que recordar otro filme, este de 1933, y protagonizado por una magnífica y sensual Claudette Colbert. Se trata del melodrama “Torch Singer” (Sinfonía del Corazón en español, un título que en nuestro idioma creo que evidencia mucho más el sentir de las canciones Torch que la traducción del inglés, “canciones de la antorcha“), dirigida por Alexander Hall y George Somnes.
Sally Trent, interpretada por Colbert, triunfa en la canción después de una tristeza le desgarra el corazón (“para ser buena cantante hay que sufrir primero“, le llegan a decir en la película): años atrás tuvo que dejar a su hija en adopción y ahora no puede recuperarla. Con esa pena en el alma, reinicia su carrera, convirtiéndose en una exitosa cantante Torch de los clubs nocturnos, ahora con el nombre de Mimi Benton.
Durante el día, Sally cuenta cuentos y canta canciones infantiles en la radio, desde donde se cartea con niños menores de 10 años con el secreto anhelo de encontrar a su hija. La verdad es que la película no tuvo demasiado éxito, y eso que Claudette estaba en el cenit de su carrera, siendo esta la película nº 20 rodada en cinco años. El gran mérito de la cinta es su banda sonora, toda una lección de Torch Songs, sobre todo el tema “Give Me Liberty or Give Me Love” cantado por Claudette Colbert, casi sobre el piano.
Y ahora sí, llegamos al año 1953 cuando se filmó “Torch Song”. Y lo hacemos para mencionar que hay otra versión de este filme, “Judith Krantz’s Torch Song”, hecha para la televisión en 1993, dirigida por Michael Miller e interpretada por Raquel Welch, Jack Scalia y Alicia Silverstone , que no llegó a tener ni el asomo de calidad de la primera.
Algunos años después, en 1957, se filmó una película sobre la vida de Helen Morgan, “La historia de Helen Morgan” (Michael Curtiz) , protagonizada por Ann Blyth y Paul Newman, que fue un gran éxito, aunque se permitió algunas licencias dramáticas en la historia.
Fue la última película de Ann Blyt en el cine, y una oportunidad perdida para haber podido escuchar su voz, ya que Ann era tenida por una buena cantante, pero su voz fue doblada por por Gogi Grant, que es a quien se puede escuchar en la Banda Sonora de la película, que se distribuyó como un disco. La crítica del momento fue algo demoledora con esta película, achacándole un exceso de “imaginación” en el drama, evitando además, algunos de los aspectos más sórdidos de la verdadera vida de Helen Morgan, que de haber contado con ellos, el filme hubiese ofrecido un dramatismo más creíble.
En 1988, se rodó “Torch Song Trilogy” (de Paul Bogart, titulada en España Trilogía de Nueva York), que no es una nueva versión de las anteriores, pero sí de más calidad que la de 1993 y cuenta con canciones “Torch”. En “Trilogía de Nueva York” se narran tres momentos de la vida de un transformista profesional, Arnold Beckoff, que vive en Nueva York, y que a lo largo de diez años camina desde la duda hasta la afirmación de su homosexualidad. Además de las estupendas actuaciones de Harvey Fierstein, Anne Bancroft, Matthew Broderick y Brian Kerwin, y del libreto firmado por el propio Fierstein (una obra teatral de éxito en Broadway), esta película es hoy un icono del cine gay y un film con algunas famosas canciones “de la antorcha”.
Por ejemplo, la canción “This Time the Dream’s On Me” (Esta vez el sueño es sobre mi) de Ella Fitzgerald, que suena varias veces en la película, pero que no pudo incluirse en la Banda Sonora por problemas con la discográfica de la cantante. También incluyó “But Not for Me” y “What’s New?”, de Billie Holiday, una de las más genuinas Torch singers de la historia.
Así que, como hemos visto, algunas de las más famosas Torch Songs han sido éxitos musicales mundiales, cuentan (muchas de ellas) con tristes historias propias, y se han incorporado, en su momento o con el tiempo, a películas de variado éxito. Por ejemplo, también fue una famosa canción Torch, “Lili Marleen”. En origen fue una canción escrita en 1937 por Norbert Schultze basado en un poema que un soldado alemán (Hans Leip) había escrito en 1915 durante la Primera Guerra Mundial. La primera grabación la realizó la cantante alemana Lale Andersen (1905-1972) en el Estudio Electrola de Berlín el 2 de agosto de 1939, y gracias a la difusión radiofónica de su versión (sobre todo a través del potente transmisor de Radio Belgrado), fue muy conocida y popular entre todos los soldados del conflicto, tanto alemanes como aliados. Las autoridades nazis prohibieron la retransmisión de la triste canción sobre amantes separados, más que nada porque Lale Andersen mantenía amistades con artistas judíos, entre los que se encontraba el compositor suizo Rolf LIebermann (1910-1999). Por ello se le llegó a prohibir actuar en público. Esto causó un profundo desasosiego en la cantante que intentó incluso suicidarse, afortunadamente sin éxito. Cuando las autoridades alemanas le permiten volver a cantar, le prohíben expresamente incluir “Lili Marleen” en su repertorio.
Marlene Dietrich grabó en 1945 una versión en inglés, quizá la más conocida de las muchas versiones que existen.
Años más tarde, en 1981, el cineasta alemán Rainer Werner Fassbinder, rodó la película “Lili Marleen”, protagonizada por una magnífica Hanna Schygulla, basada en la biografía de la cantante, que cuenta hasta con una estatua en su honor en la ciudad de Langeoog, Alemania.
Para no extendernos mucho con las canciones Torch, solo veremos algunos ejemplos más, como por ejemplo “One for My Baby” (1943), una magnífica canción escrita por Harold Arlen y Johnny Mercer para la película “El límite es el cielo” (1943, Edward H. Griffith) protagonizada por Fred Astaire, y que fue llamada en su día “un canto errante”, por su más que difícil e improbable musicalidad, pero que resultó todo un éxito cuando Fred Astaire la canta y la baila, borracho, sobre la barra de un bar. Hay muchísimas interpretaciones de esta canción, siendo las más populares las que grabó (varias veces) Frank Sinatra(considerado el mejor Torch Songer de los intérpretes masculinos), pero también hay versiones de Billie Holiday, Chuck Berry, Ella Fitzgerald, Etta James, Marlene Dietrich, Nana Mouskouri, Sammy Davis Jr., Tony Bennett, Willie Nelson, Bette Midler, Mina y un sinfín de artistas más como Iggi Pop, Hugh Laurie, Danny Aiello, y una de las que más me han gustado a mí, Robbie Williams.
En el cine, “One for My Baby” ha sido cantada por Jane Russell en “Macao” (1952, Josef von Sternberg y Nicholas Ray ) y por Dianne Reeves en “Buenas noches, y buena suerte” (2005, George Clooney), durante los títulos de crédito del final de la película. También suena en alguna escena, entera o en parte, en películas como “Road House” (1948, Jean Negulesco), “El abominable Dr. Phibes” (1971, Robert Fuest), en la película de televisión “The Rat Pack” (1998, Rob Cohen), o en “Invencible” (2006, Ericson Core), entre otras.
“Cry Me a River” (1953), una canción escrita por el compositor estadounidense Arthur Hamilton, grabada por primera vez por la actriz y cantante Julie London en 1955, también ha sido interpretada en multitud de ocasiones por artistas tan variopintos como Ella Fitzgerald, Ray Charles, Barbra Streisand, Natalie Cole, Nina Simone, Dinah Washington, Etta James, Linda Ronstadt, Rick Astley, Joe Cocker, Björk, Justin Timberlake o Aerosmith. Existen versiones en varios idiomas, por ejemplo en español, interpretada por el grupo de rock argentino La Torre, en 1984; en francés, por Viktor Lazlo; y una muy popular versión en portugués cantada por Roberto Carlos en 1961, “Chore por mim”.
“I Will Always Love You”(Siempre te amaré) fue una canción compuesta e interpretada por Dolly Parton en 1974, y con la que llegó al primer puesto de las listas de ventas de música country.
La volvió a grabar en 1982 para la banda sonora de la película musical “The Best Little Whorehouse in Texas”, con Burt Reynolds y la propia Dolly Parton. Luego quedó algo eclipsada hasta que Whitney Houston, en su primera interpretación cinematográfica, la versionó en la película “El Guardaespaldas” (1992, Mick Jackson). Fue un hit mundial y se vendieron más 48 millones de copias de la banda sonora de la película. Curiosamente, Dolly Parton fue la más beneficiada de este éxito, ya que los derechos de autor los tenía y aún los conserva ella y las ventas se incrementaron tras la muerte de Whitney Houston.
Los cantantes más grandes de Torch Song son probablemente Édith Piaf, Judy Garland y Billie Holiday, ya que se ha vinculado tradicionalmente a las cantantes femeninas. Ellas, como dice Piers Ford, son capaces de
“… contar una historia en la canción con convicción emocional. Cantantes como ellas pueden tener al público en la palma de sus manos, pueden hacer que el público se identifique, con una sola nota o una palabra, con la experiencia que están cantando ellas. […] todas las Torch Singers comparten la capacidad de recurrir a sus propias experiencias de vida para hacer una canción ‘real’. Por supuesto, el oyente puede o no puede saber algo de sus vidas privadas. A veces el conocimiento, hará una actuación más conmovedora, y obviamente eso es lo que mucha gente está sintonizando cuando escuchan a las grandes cantantes ‘de la antorcha’.”
Hazel Scott
Es el cabaret, el club nocturno, el perfecto acompañamiento de este tipo de canciones y de historias. Por eso, dice Piers Ford, aunque muchos puedan disfrutar de un concierto multitudinario de, por ejemplo, Amy Winehouse, es en los ambiente íntimos donde se desarrolla la magia Torch. Y de esa magia saben mucho algunas artistas totalmente desconocidas para el gran público: Mildred Bailey (años 30), Helen Humes y June Christy (años 40), Sarah Vaughan yHazel Scott (años 50), Kay Starr (de origen nativo americano), años 40 y 50, de quien Billie Holiday dijo que era “la única mujer blanca que podía cantar el blues“, Julie London (años 50 y 60) muy conocida por su versión de “Cry Me a River” de 1955, Jeri Southern y Chris Connor (años 60)oCarmen McRae, en activo desde los años 40 a los 70.
Son muchas más las canciones y artistas que entra en esta categoría de “Torch Song”, como por ejemplo la exitosa Adele. En este enlace de la Wikipedia puede consultarse una lista de los más conocidos Torch Singers de la historia.
Y todo esto para mi sorpresa, pues era la primera vez que me encontraba con esta denominación para un “género” musical. Pero lo cierto es que su “sinfonía del corazón” si que la conocía, ya que, además de la voz y canciones de la magnífica Adele, soy fan desde hace tiempo del grupo musical Postmodern Jukebox, que con su estilo personal y revival, ha resucitado este tipo de melodías, por ejemplo, con la magnífica “Criminal” con la voz de Fiona Apple (no dejen de escucharla por favor, aunque esté muy al final de una lista muy larga de buenas canciones)
Para terminar, quiero mencionar a un artista que también es conocido como uno de los últimos valores de las Torch Song. Como hemos dicho, son las mujeres las más genuinas intérpretes de este tipo de canciones, pero ya vimos que hay cantantes muy reconocidos dentro de este género, como Frank Sinatra o Bing Crosby. Pues bien, según el blog Dangerous Minds, son muchos los artistas masculinos que podrían entrar en la calificación de Torch Singers: Gene Pitney, Scott Walker, Nick Cave, Antony Hegarty y, el que consideran, quizás, el más grande cantante Torch masculino (pienso que es mucho abarcar sin restarle méritos), Marc Almond.
Peter Mark Sinclair “Marc” Almond (nacido el 9 de julio de 1957) es un cantante, compositor y músico inglés que comenzó formando parte del dúo Soft Cell . Según la Web oficial del cantante, ha vendido más de 30 millones de discos en todo el mundo.
Marc Almond, a sus 59 años, está considerado un artista en toda su amplitud. Poseedor de una personalidad arrolladora, hoy va más allá del inicial encasillamiento como “ídolo gay”. Al disolverse Soft Cell, Almond pasó por varias fases en su trayectoria musical: primero una fase de chanson francesa con canciones de Jacques Brel (también considerado un cantante Torch); luego versionó un álbum con canciones tildadas de “oscuras” con el nombre de “Absinthe”; se marchó a Moscú en el año 2000 donde se interesó por un tipo de canción folklórica rusa, que quedó reflejado en el albúm “Heart of Snow”, sin mucho éxito; y finalmente, tras superar un accidente de moto en el 2004, su carrera se multiplicó con actuaciones en directo y colaboraciones con otros artistas (como la cantante de folk Sandy Denny) hasta que en el 2010 graba “Varieté”, y otros tres discos más en el 2014, con tamáticas tan curiosas como “el Londres histórico” (versión sórdida) o “las diez plagas de Egipto”. En el 2015 lanzó un trabajo más, “The velvet trail”, con el que inició una gira internacional que incluye España. Hoy mismo, 13 de febrero, actúa en la Sala Razzmatazz 2 de Barcelona (ayer lo hizo en Madrid).
Se atrevió incluso a grabar alguna canción en español, como este “Cara a Cara” de Manolo García. Y con esta interpretación de Marc Almond, acabo ya este recorrido increíble por las Torch Song de la historia de la música, no sin recordar que mañana, día 14 de febrero, es el día de los enamorados, un día para celebrar la dicha del amor, aunque sea en el recuerdo de una triste Torch Song.
Cierto que huí de los fastos y los oropeles
y que jamás puse en venta ninguna quimera,
siempre evité ser un súbdito de los laureles
porque vivir era un vértigo y no una carrera.
Pero quiero que me digas, amor,
que no todo fue naufragar
por haber creído que amar
era el verbo más bello…
dímelo…
me va la vida en ello.
Cierto que no prescindí de ningún laberinto
que amenazara con un callejón sin salida
ante otro “más de lo mismo” creí en lo distinto
porque vivir era búsqueda y no una guarida.
Cierto que cuando aprendí que la vida iba en serio
quise quemarla deprisa jugando con fuego
y me abrasé defendiendo mi propio criterio
porque vivir era más que unas reglas en juego.
Qué suerte he tenido de nacer,
para estrechar la mano de un amigo
y poder asistir como testigo
al milagro de cada amanecer.
Qué suerte he tenido de nacer, para tener la opción de la balanza, sopesar la derrota y la esperanza con la gloria y el miedo de caer.
Qué suerte he tenido de nacer, para entender que el honesto y el perverso son dueños por igual del universo aunque tengan distinto parecer.
Qué suerte he tenido de nacer, para callar cuando habla el que más sabe, aprender a escuchar, ésa es la clave, si se tiene intenciones de saber.
Qué suerte he tenido de nacer, y lo digo sin falsos triunfalismos, la victoria total, la de uno mismo, se concreta en el ser y en el no ser.
Qué suerte he tenido de nacer, para cantarle a la gente y a la rosa y al perro y al amor y a cualquier cosa que pueda el sentimiento recoger.
Qué suerte he tenido de nacer, para tener acceso a la fortuna de ser río en lugar de ser laguna, de ser lluvia en lugar de ver llover.
Qué suerte he tenido de nacer, para comer a conciencia la manzana, sin el miedo ancestral a la sotana ni a la venganza final de Lucifer.
Pero sé, bien que sé… que algún día también me moriré. Si ahora vivo contento con mi suerte, sabe Dios qué pensaré cuando mi muerte, cuál será en la agonía mi balance, no lo sé, nunca estuve en ese trance.
Pero sé, bien que sé… que en mi viaje final escucharé el ambiguo tañir delas campanas saludando mi adiós, y otra mañana y otra voz, como yo, con otro acento, cantará a los cuatro vientos…
“Cadence” (titulada “El Valor del Honor” en España), película de 1990 dirigida (y protagonizada) por Martin Sheen, no pasará a la historia del mejor cine, pero es interesante verla al menos una vez. Dos hijos del director, Charlie Sheen y Ramón Estévez intervienen en el filme, siendo Charlie el protagonista, un soldado rebelde del ejército de los EEUU (se emborracha y deja su división sin permiso para ir al entierro de su padre), que acaba como recluso en una prisión militar para soldados negros en Alemania Occidental durante la década de 1960.
La película está basada en una novela de Gordon Weaver, y su director quiso imprimir al filme un mensaje antiracista y antimilitarista, contrastando con su propio papel, el del psicópata Sargento Primero Otis V. McKinney.
Uno de los aciertos de esta película es la “chaing gang march”, la coreografía de marcha de la línea de presos militares, que practican machaconamente los seis prisioneros negros con los que el soldado de primera clase Franklin Fairchild Bean (Charlie Sheen) comparte barracón.
Su primera reacción es de absoluta sorpresa, pero terminará por aprenderse los pasos e interiorizarlos formando parte del espíritu de la canción y de la camaradería de los soldados negros.
La canción que cantan en la marcha de la “patrulla del alma” es “Chaing Gang”, que fue compuesta por Sam Cooke (1931-1964) en julio de 1960 y pronto se convirtió en uno de sus singles más exitosos, alcanzando el número dos tanto en el Billboard Hot 100 como en el Hot R & B Sides, y hasta fue número siete en la lista de singles del Reino Unido.
Sam Cooke, en uno de sus viajes de gira, se encontró con una cadena de presos que trabajaban en una carretera e iban cantando. Hay por ahí historias que cuentan que Cooke y su hermano Charles les dieron varios cartones de cigarrillos al sentir lástima por su situación. Esa fue la inspiración de su canción, aunque le costó encontrar el punto exacto de sentimentalismo a la hora de interpretarla. Fue grabada en enero de 1960 en los estudios RCA de Nueva York, pero como no estaba muy conforme volvió varios meses después con un conjunto de voces nuevas, para tratar de conseguir el resultado que quería.
Más tarde, el malogrado cantante de soul Otis Redding (1941-1967) también grabó una versión de la misma canción.
Una cadena de presos en el sur de Estados Unidos, alrededor del año 1903
Las cadenas de presos, o chain gang, son grupos de presos encadenados juntos para realizar un trabajo en carreteras u otros lugares donde se requiere un gran esfuerzo físico. Esta labor es entendida como un castigo y no como una forma de reinserción. Después de la Guerra Civil norteamericana se convirtió en una práctica muy común en el sur de los EEUU (en los estados de Florida, Georgia, Luisiana, Virginia, Carolina del Norte, Arkansas, Texas, Mississippi y Alabama) como una forma de conseguir mano de obra gratuita para reconstruir el territorio.
Convictas femeninas en Dar es Salaam encadenados por el cuello, c.1890-1927
Esta práctica fue abolida en 1955 pero siguió practicándose en algunos estados como en Georgia durante la década siguiente. La mayoría de estos presos eran negros y estaban encadenados por el tobillo. También se formaron cadenas de mujeres, en este caso encadenadas por el cuello.
Cadena de delincuentes juveniles en los EE.UU. Año 2006
Se volvió a reintroducir en los años noventa durante un periodo de especial “mano dura” contra el crimen. Alabama fue el primer estado en reimplantarlo en 1995 (durante un año) y otros estados como Arizona aún mantienen el servicio de presos en cadena, aunque ahora ya como voluntarios y para evitar encierros disciplinarios.
También son muy recurrentes en las películas las marchas de soldados en su instrucción. Aunque no sean de presos. Estas son algunas de las más conocidas:
FULL METAL JACKET (1987) Stanley Kubrick:
LA CHAQUETA METÁLICA (EN ESPAÑOL):
STRIPES (1981) Ivan Reitman
EL PELOTÓN CHIFLADO (EN ESPAÑOL) escena de la graduación.
EL SARGENTO DE HIERRO (1986) Clint Eastwood.
HAIR (1979) Miloš Forman (Escena Final)
Bueno, esta última no es una “marcha” como tal, sino una canción… y una escena terrible que tuvieron que vivir muchos soldados, jovencísimos soldados, que fueron reclutados para ir a luchar a Vietnam. Por cierto que también llevó el nombre de “Soul Patrol” la primera compañía afroamericana LRRP (Long-Range Reconnaissance Patrol -Patrulla de Reconocimiento Lejano-) de Operaciones Especiales en Vietnam. Estos seis hombres fueron destinados al campo de pruebas más duro de toda la guerra, en Cu-Chi, centro del enemigo vietcom.
“Ese es el sonido de los hombres que trabajan duro en la cadena de presos”
“October” es el segundo álbum de la banda irlandesa U2, publicado el 16 de octubre de 1981. El disco hace énfasis en la religión y la espiritualidad, particularmente en las canciones “Gloria” (que contiene un coro en latín, Gloria, in te domine), “With A Shout” y “Tomorrow“. Bono declaró en 2005: «¿Te puedes creer que tu segundo disco (el más difícil de realizar) hable sobre Dios»?
Los temas fueron compuestos por Bono, tanto como por The Edge (el guitarrista Dave Howell Evans, quien incorporó el piano a canciones como “I Fall Down” y “October“) o Larry Mullen (batería del grupo). Tiene influencias musicales de las bandas inglesas Joy Division e Invisible Girls, así como influencias espirituales de un grupo cristiano llamado “Shalom Fellowship“, lo que les llevó a cuestionar la relación entre la fe cristiana y el estilo de vida del rock and roll. Tanto Edge, como Larry y Bono estuvieron muy vinculados a este grupo (casi una secta) y al parecer llegaron a plantearse hasta dejar el mundo de la música y seguir a Dios. Afortunadamente para todos, no fue así.
La canción “Tomorrow” incorpora unas gaitas irlandesas, y según el propio Bono “es una descripción detallada del funeral de mi madre, pero no tenía ni idea de ello mientras la escribía“.
El álbum recibió críticas mixtas y es considerado por algunos, el más flojo del grupo, estando habitualmente al final de las listas en las preferencias de los fans. No obstante tanto “Octuber” como “Gloria” formaron parte del repertorio de la banda durante la década de los 80.
Además, esta canción, “October” (min.2:21, de la cara B), aparece en la colección The Best of 1980-1990 (1998), como una pista escondida al final del disco. Con ella, U2 empezó a darle importancia al vídeo musical como parte del trabajo creativo, ya que fue publicado durante la época en la que la MTV se estaba haciendo más popular que la radio.
Y además, hoy es 1 de Octubre ¡A disfrutar de la música!
Eleanora Fagan Gough, nació en filadelfia un 7 de abril de 1915 (este año hubiese cumplido 100 años), aunque pasó gran parte de su infancia en Baltimore, Maryland. Su madre, Sadie Fagan, tenía 13 años cuando nació y su padre, Clarence Holiday, solo 15, cuando las abandonó (se casaron cuando él tenía 18 años, ella 16 y la niña 3). Eleanora fue violada a la edad de 10 años y enviada a una escuela católica, la “Casa del Buen Pastor”, una institución para niñas afroamericanas con problemas, de la que escapó dos años después, instalándose en Brooklyn junto a su madre. Allí ambas mujeres trabajaron limpiando suelos y Eleanora empezó a ejercer la prostitución.
Por si hasta ahora alguien andaba despistado, estamos hablando de Billie Holiday (Billie por la actriz Billie Dove y el apellido de su padre Clarence). Cambió su nombre alrededor de 1930 cuando empezó a cantar en los renovados ambientes de los cafés de Harlem, que por aquellos entonces estaban entusiasmados con los músicos de jazz que improvisaban y cantaban con voces increíbles. Los novatos, como Billie eran bien admitidos. Tenía 13 años cuando empezó a trabajar en el “Pod’s and Jerry’s” de la calle 133, primero como bailarina, luego como cantante. Su primera canción, aún en prueba en el local, fue “Travellin’ all alone”, y todos los asistentes se quedaron con la boca abierta. Entonces, en 1933, el productor John Hammond (1910-1987) uno de los cazatalentos más importantes para la música popular del siglo XX, la vio en una actuación y no pudo por menos que hablar de ella a todo el mundo. El 27 de noviembre de 1933 Billie y los músicos de Benny Goodman debutaban comercialmente con “Your Mother’s Son-In-Law”. Y se desató la locura.
Su capacidad interpretativa, su dominio de la voz, su peculiar interpretación del swing y del jazz, hacían de Billie una intérprete inigualable que volcaba en el desgarro de su estilo la dureza de su propia vida. Cantó junto a los más grandes como Bessie Smith, Louis Amstrong o Lester Young, pero ella era una jazzwoman y fue considerada una de las más importantes e influyentes voces femeninas del jazz de todos los tiempos.
El tema “Strange Fruit” (1939), una descarnada denuncia de los linchamientos de negros en los estados sureños, fue considerado como la mejor canción del siglo XX, por la revista Time en 1999.
En los años cuarenta, Billie empezó su particular debacle tras la muerte de su madre en octubre de 1945. Su atormentada vida personal (marihuana y heroína, pero también alcohol y fármacos) invadía sus actuaciones y su vida fue estereotipada en sus interpretaciones hasta el exceso. Se la consideraba solitaria e incomprendida y ella empezó a sentir que la gente quería escucharla por eso y no por su arte. El promotor Norman Granzavivó su carrera con nuevas canciones y con músicos y solistas de prestigio, cuyo resultado fue una de las interpretaciones más memorables de la historia del jazz, la que se produjo en 1957 en el programa “The Sound of Jazz”, de la CBS. Retransmiteron una interpretación de “Fine and Mellow” con Billie Holiday y músicos de la talla de Lester Young (saxofón), uno de los amores de su vida y quien le puso el apodo de “Lady Day”, Ben Webster (saxofón), Vic Dickenson (trombón), Gerry Mulligan (saxofón) y Coleman Hawkins (trompeta), alternándose para ejecutar solos de gran brillantez que se recordaron durante décadas. Dos años más tarde, en 1959, Billie moría en Nueva York.
Aunque nunca se recuperó de su estilo y modos desgarrados, su influencia se dejó sentir hasta la actualidad, y muchos músicos reconocieron en ella su inspiración, como Janis Joplin, Nina Simone o Amy Winehouse. En el año 2000, Billie Holiday fue incluida en el Salón de la Fama del Rock and Roll.
Su vida privada siguió siendo tan truculenta como en su niñez. Varios matrimonios y amantes (incluida alguna relación bisexual), fueron descritos por la misma Billie en una polémica autobiografía considerada por muchos como un artificio en el que narraba, en clave de exageración, los episodios más truculentos de su vida, “Lady sings the blues“. Si que pasó por muchos de ellos, sobre todo los relacionados con la segregación que aún imperaba en los Estados Unidos, donde no se le permitió actuar para blancos o se le obligó a acceder a los locales por la puerta trasera.
Pero en aquellos años Billie necesitaba “dar pena” para recuperar la tarjeta de permiso de actuación en los clubes neoyorkinos, que solían retirar como castigo a los cantantes y músicos de jazz (negros todos) cuando eran detenidos por drogas. Billie también pasó por la cárcel en 1947. Fue arrestada por posesión de heroína y estuvo ocho meses en prisión, en un centro de rehabilitación federal en Alderston, Virginia Occidental, razón por la que se le retiró la tarjeta. William Dufty, el autor del libro quiso que el contenido fuese explosivo y lo logró. Julia Blackburn escribió en el año 2006 “Con Billie” (Global Rhythm), una biografía más rigurosa ampliando el material que otra autora, Linda Kuehl, había ido elaborando en los sesenta con entrevistas y testimonios de gentes que la conocieron (Linda Kuehl se suicidó y no terminó el libro).
En 1972, Diana Ross fue la protagonista de la película “Elocaso de una estrella” (Sidney J. Furie), basada en la obra autobiográfica de Holiday. La película fue un éxito comercial y Ross ganó el Óscar a la mejor actriz ese año. Billie también había actuado en alguna película. En 1935, junto a Duke Ellington en el corto “Sinfonía en Negro”, de Fred Waller y en 1947, junto a Louis Armstrong en “Nueva Orleans”, de Arthur Lubin.
Al final de mayo de 1959, Billie Holiday fue hospitalizada en el Metropolitan Hospital de Nueva York por un dolor en el hígado y problemas de corazón. Allí recibió una denuncia por posesión de narcóticos (era considerado un crimen) por lo que fue condenada a arresto domiciliario el 12 de julio, permaneciendo bajo custodia policial hasta su muerte por cirrosis hepática el 17 de julio de 1959 a la edad de 44 años. Había quedado reducida a una ruina, “una pequeña y grotesca caricatura de sí misma”, según un periodista del New York Times. Más de 3.000 personas asistieron a decir adiós a Lady Day en su funeral celebrado en la Iglesia Católica Romana de San Pablo Apóstol. Está enterrada en el cementerio del Bronx en Nueva York.
Esta entrada dedicada a Eleanora Fagan (Billie Holiday) sirve también como homenaje al aniversario de este blog, HELICON, que nació un 10 de junio del 2006. Me gusta recordar este aniversario con la evocación de mujeres llamadas Leonor o Eleonora o Eleanora, aunque no todos los años lo he podido hacer. En esta ocasión es Eleanora-Billie la escogida para celebrar este aniversario.
Hace unos días buscando una imagen para ilustrar un texto, topé por casualidad con esta obra del pintor neoyorkino Dan Witz titulada “Mosh Pit”. Me intrigó tanto que traté de averiguar a qué se refería el título pues desconocía el término y me encontré con una especie de “danza” surgida de una subcultura plagada de influencias musicales, urbanas y trasgresoras. Veamos…
En este tipo de “baile” (lo siento, pero no me sale a mi llamar “baile” o “danza” a esto), el Mosh, se salta, brinca, se hacen acrobacias, se “choca” con el otro, incluso violentamente, aunque eso si, al ritmo de la música. Pero una música que se “asocia” (lo siento pero tampoco veo clara esta “asociación” de forma generalizada) a estilos musicales calificados de “agresivos”, como son el hardcore punk, el tras metal, el death metal oel groove metal, y más recientemente, los llamados Dubstep y Brostep, e incluso el Ska.
El caso es que si, vale, que entiendo que el Mosh es una forma de “moverse” a un ritmo vertiginoso y “en mogollón” al son de una música “contundente” que invita a ello y que suele reunir en torno suyo a jóvenes (y no tanto) con ganas de seguir indagando en nuevas formas de expresión, aunque esta sea un tanto “brusca”. Algo que probablemente no es ajeno a muchas formas de expresión actuales que, realmente o en apariencia, están mediatizadas por tipos de movimientos considerados, a priori, “violentos”. Y digo esto con todas las reservas posibles, porque soy de la opinión de que no todo lo que “parece” violento lo es, no todo lo que se mediatiza por un “contacto” corporal, vamos a decir “brusco”, tiene que responder a una manifestación de violencia. Aunque la definición de “hostia” sea “golpe contundente” (lo que nos reíamos en mi adolescencia con estas definiciones), aquí se está hablando de un baile, algo que debería quedar totalmente fuera de toda demostración de violencia. De momento no quiero entrar en definiciones que parezcan un posicionamiento prejuicioso por mi parte. Pero sigamos…
El Mosh o Moshing, se “baila” en los conciertos, o “bolos”, o “tocatas”, de grupos musicales de sonidos “agresivos”, como se ha dicho, tipo core, metal, punk, etc. Por lo visto fue la banda hardcorepunk, Bad Brains, cuyos miembros son todos practicantes de la religión rastafari, quien dio origen a este tipo de movimientos frenéticos, allá por los años ochenta, a iniciativa de su vocalista Paul Hudson (en la imagen) alias «H.R.». Paul, invitaba a su público a “ir salvaje” (mash it up) con el frenesí de la música, pero en su peculiar pronunciación jamaicana sonaba “mosh”, lo que hizo que sus fans adoptaran este término.
Se suele situar el primer “baile” Moshing en el condado de Orange en California (EEUU), con el inicio de hardcore americano. Aparece entonces en películas documentales como “Otro estado de ánimo” (1984, Adam Small y Peter Stuart), “Urban Struggle” (1981) o “La decadencia de la civilización occidental” (1981, Penelope Spheeris), y vuelve a estar en actualidad con “American Hardcore” (2006, Paul Rachman).
De este original movimiento frente a los escenarios y en directo, ha pasado a las pistas de baile, en lugares llamados “pozo” o “Pit” (de ahí la denominación Mosh Pit), donde los participantes, al vértigo del baile, unen el miedo a caer entre la multitud, aunque, como insistía al principio, aunque la traducción de Mosh en inglés es “golpear” (también “mover la cabeza”, otro de los movimientos estrella de este “baile”, introducido por los fans de Billy Milano y la banda Stormtroopers of Death), derribar a otro no es su fin principal.
En realidad hay diferentes formas de “practicar” el Mosh, según la música que suene. Es en el metalcore donde a veces se producen más movimientos violentos intencionados como peleas, patadas y golpes, hasta llegar a conocerse con el nombre de “hardcore dancing” (insisto en que esto no puede llamarse “dancing” en sentido literal). Llevando el frenesí a una escala mayor, en el metal-hardcore el Mosh puede llegar a ser brutal, con rebotes y choques continuos e intencionadamente duros, que llegan a incluir una variante apocaliptica, la Wall of Death, o pared de la muerte, donde la multitud se separa en dos “bandas” a derecha e izquierda del escenario y a un llamado intencionado del grupo musical ambos se lanzan frente a frente chocando como paredes deshumanizadas.
No es menos cierto que los seres humanos estamos demasiado acostumbrados a darnos de tortas a la menor ocasión, incluso en las batallas se hacía a ritmo de música. Sin entrar a igualar estas movidas con los enfrentamientos bélicos de antaño (quien haya visto las batallas de Braveheart o El Señor de los Anillos, me entiende, dos bandos y a una señal se lanzan unos contra otros), a mí en realidad, esto me recuerda mucho a ciertas prácticas deportivas también consideradas a veces como “violentas”, como en el Fútbol Americano, el Rugby o el Hockey.
En todos estos deportes se realizan “paredes” en las que se enfrentan a empujones ambos equipos, o se saludan chocando cuerpos dos miembros de un mismo club. No es nada nuevo, solo está trasladado de escenario.
Sin embargo en otras prácticas, por ejemplo el Crowdsurfing, que es esa modalidad en la que una persona, muchas veces un miembro del grupo musical, pero puede ser cualquiera, se hace pasar por encima del público, de persona a persona, sujeto por las manos en alto de todo el mundo que apoyan el peso de la persona “transportada”. Se atribuye a Iggy Pop durante el Festival de Verano de Cincinnati Pop (Midsummer Festival de Rock) de 1970, la invención del crowdsurfing.
Lo hemos visto en varias películas también. En “School of Rock” (2003, Richard Linklater), un entregadísimo Jack Black, se estrella primero y triunfa después con un crowdsurfing limpio y perfecto. Pero en la película “The Bodyguard” (1982, Mick Jackson) una fantástica actuación de Rachel (Whitney Houston) termina con un peligroso crowdsurfing al que pone punto y final expeditivamente Farmer (Kevin Costner) en su calidad de guardaespaldas. Britney Spears o Lady Gaga , reinas de la música pop (no hardcore) también utilizan el crowdsurfing en sus videoclips y conciertos.
Pero como “bailes”, existen el Mosh-punk, Mosh-slam o en el Pogoque son todos diferentes. En estas modalidades los empujones con los brazos estirados, no implican ni golpes intencionados ni derribos, y lo más habitual es que se generen movimientos tipo “ciclón” donde todos siguen el mismo curso en un movimiento frenético que hace que algunos salgan “disparados” por efecto del propio movimiento, pero que también permite un abandono voluntario. O eso dicen…
Hay quien no considera un Mosh al Pogo ya que la calificación de Pogo incluye ayudar a aquellos que se caen (¿?) y, dicen sus adeptos, que en realidad “no es un baile” (menos mal), sino que son una serie de movimientos frenéticos libres durante la actuación de un grupo musical que tienen su sentido solo si se practican en grupo. En estos Pit, a veces forman un círculo para moverse con ritmos más acompasados. Se considera que su iniciador fue Sid Vicious, bajista de los Sex Pistols, en un concierto inicial de la banda donde no había escenario, sino que tocaban al mismo nivel que el público. En las primeras filas estaban los Bromley Contingent, los fans incondicionales de Sex Pistols que les seguían a todos los conciertos, y el resto del público, para poder ver mejor a los músicos, comenzó a saltar y empujar a los Bromley, fruto del propio movimiento del salto, aunque no estaba exento de cierta animadversión.
Esto ha causado que en muchos conciertos se prohíba expresamente tanto el crowdsurfing como el Mosh Pit o el Pogo. Lo cierto es que estas prácticas, han ocasionado robos, contusiones, peleas y todo tipo de incidentes, incluidas algunas muertes trágicas. En un concierto en Dublin (Irlanda) en 1996, Bernadette O’Brien resultó aplastada por un moshing multitudinario y falleció en el hospital. Jessica Michalik, de 16 años de edad murió de asfixia en Australia a consecuencia del aplastamiento en un Mosh Pit durante el festival de música de Big Day Out 2001. Otro fan de 20 años de edad, murió en un concierto de Smashing Pumpkins en Vancouver (Columbia Británica, Canadá), el 24 de septiembre de 2007. Hoy, muchos grupos piden a sus fans que no realicen estas prácticas, como Joey DeMaio de la banda estadounidense de heavy metal Manowar, quien ha llegado a detener conciertos al ver moshing y crowdsurfing, pero otros las promueven. En Argentina, el auge del Pogo y de una de sus máximas figuras, el Indio Solari, arrastra a multitudes (su canción “jijiji” es calificada por el propio autor como “el Pogo más grande del mundo“).
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Llegado este punto hay que preguntarse ¿Todo esto es realmente tan nuevo? Leía yo hace poco acerca de una curiosa costumbre veneciana. En el Ponte dei Pugnise desarrollaba lo que se dio en llamar “guerra de golpes”, en la que dos bandos familiares (Castellani y Nicolotti) se encontraban para enfrentarse a puñetazos en la parte superior del puente, aunque el propósito de la lid era lanzar oponentes al canal, ganando el equipo que podía mantener a sus hombres en la cubierta del puente.
Un cuadro de Joseph Heintz “el Joven”(c.1600 – 1678), pintor muy acostumbrado a retratar “multitudes”, muestra en 1673, a la facción Castellani con sus boinas y bufandas rojas, y a los Nicoletti, con vestimentas negras, y a un nutrido grupo de gentes observando (o probablemente formando parte en un momento determinado). Estos encuentros a puñetazos eran incluso regulados por las autoridades, que fueron quienes determinaron que el enfrentamiento familiar tuviera lugar en ese puente, y solo entre septiembre y el día de Navidad.
La pintura también ha encontrado en esta nueva forma de “apelotamiento” una inspiración artística para muchas obras, sobre todo con Dan Witz, auténtico especialista en este tipo de representaciones . Witz se reconoce heredero de las obras de Rubens, Brueghel y El Bosco, en esas composiciones de múltiples figuras barrocas, que, dice, “son un potencial de adrenalina, frenesí, acción…” y en ocasiones, casi llegan a expresar el caos y la catarsis del punk-rock. El arte tiene muchas muestras de “mogollones” en una sola composición. De echo llevaba yo tiempo guardando algunas obras de esta forma de pintar en la que el protagonismo del cuadro venía dado por la acumulación de imágenes similares, sin saber muy bien cómo las iba a utilizar. El mismo Dan Witz en una colección en el 2010 bajo el título “El arte de Poguear“, expuso obras en la que se mostraban animales y cuerpos desnudos, cuya composición podemos encontrar también en otros artistas, como Rodger Roundy (los perritos) o Jacques de Beaufort (los desnudos).
Y no son los únicos ejemplos. Del estilo a las multitudes de Witz, aunque evidentemente no en un composición de frenético bailoteo, tenemos muchos ejemplos:
De derecha a izquierda y de arriba abajo:Alexander Klingspor; Bernardien Sternheim; Erik Suidman; Volker Stelzmann.
Con algo menos de definición del modelo, de derecha a izquierda y de arriba abajo: Edward Povey; Enrico Robusti; Victor Safonkin.
Con motivo lector: P.J. Crook.
También se apuntaron a la composición multitudinaria en sus obras:Shen Jiawei, o la gran Maruja Mallo.
Incluso resultan más inquietantes cuando aparecen tan ordenados: Rowan Corkill (arriba); Laurie Lipton (abajo).
Pero como arte propiamente Mosh Pit hay autores que incurren sobre todo en el comic, el fanzine o el arte digital. Por ejemplo Yaia, una artista de comic que también se ha detenido en el movimiento Mosh Pit. Y no es la única:
Wolveswar
Gaarathehated
“Zombie Mosh Pit”, Pharmacide-d3eersu
Por cierto que es inevitable no ver en todo esto un cierto parecido con la contracultura zombie y algunas de las escenas de las últimas películas y series del género como The Walking Dead.
¿Y tenemos ejemplos patrios? ¡Espera! ¡Sí! ¡Eso se hace en TODOS los pueblos de España durante sus fiestas patronales! Aquí en mi tierra, es corriente bailar “el Chúndara” por todo el pueblo, al son de la banda de música local (o no) y en modo “apelotonado” (doy fe, una vez me vi en medio) mientras desde los balcones se tira graciosamente agua, harina y/o vino (no es un castigo, la peña lo pide), y me consta que en otras regiones españolas se hace algo parecido. ¡Y qué me dicen del “Paquito el Chocolatero” imprescindible en cualquier pueblo!
Y si ya vamos a “fiestas mayores”, ¿no tiene esto del Mosh Pit, mucho de lo que se vive en los Encierros de San Fermín, en los Castellets catalanes, en la Tomatina de Buñol? Y lo que es ya el sumun del Moshing y hasta del crowdsurfing patrio es… la fiesta de la Virgen del Rocío. Todo ello amenizado con música popular, sin ninguna connotación hardcore “violenta”….
Lo más curioso de este tipo de “bailes”, me refiero ahora al Moshing o Pogo con todas sus variantes, es que han llegado a ser analizados hasta por científicos. Como su práctica requiere mucha resistencia respiratoria y cardíaca, y sobre todo, fuerte tonificación muscular (por los frecuentes hematomas que se producen, bien sea de forma intencionada o involuntaria), en la Universidad de Cornell (Ithaca, Nueva York), han llegado a estudiar su comportamiento y han encontrado la curiosidad de que se asemeja “al movimiento de las partículas en un gas 2-D en equilibrio”. Uno de estos investigadores, Jesse Silverberg, llega a decir que lejos de resultar caótico, este ritmo “tiene todas las propiedades de comportamiento emergente autorganizado”, aunque el resultado de tal “auto-organización” en el ánimo colectivo esté “influido por la combinación de música alta y rápida (130 dB, 350 latidos por minuto), sincronizada con luces brillantes, y en haces de flash, y la intoxicación frecuente”.
Así que, teniendo interés científico a la par que cultural, me temo que tendremos Mosh Pit para rato pese a todo….
AlmaLeonor
Dan Witz
Fuentes: Wikipedia y los enlaces a los que se accede desde las palabras señaladas o las imágenes.
Imagen: Starsong Studio
Imagen: 
caprichosa, termina por enamorarse de su pianista ciego, que es el único que no le tolera sus desmanes, tras descubrir que antes de su ceguera causada en la Segunda Guerra Mundial, él estuvo enamorado de ella. Pero ya es tarde.
Artstreet Grecia: Artist Fikos
Una cadena de presos en el sur de Estados Unidos, alrededor del año 1903
Las imágenes hasta aquí de: 
“Zombie Mosh Pit”, Pharmacide-d3eersu
